Ms. Nara

《深夜加油站遇見蘇格拉底》

這是一部勵志片。內容敘述一位優秀體操手，偶然遇見一位心靈導師，在遭逢挫折後，如何調整心態再岀發的故事。(詳細內容請見此)

有一個小片段很值得分享。

Socrates在Dan受到挫折，能力不被相信時，跟Dan說:"有一個地方，第一次看見你就想要帶你去看一看"。他們去爬了一座山，過程曲折，終於到達山頂時，Dan問Socrates:"你要我看什麼?是這景色嗎?" Socrates說:"是你腳邊的那顆石頭"。那只不過是一顆普通石頭。Dan有受騙的感覺:"你讓我一路懷著興奮的心情來，就是為了這石頭?"。Socrates回答:"我希望可以早一點跟你說，但不讓你知道的原因是..我原本也不知道我們將會看到什麼。" Socrates轉頭走並繼續說:"很遺憾你不再興奮了。 "

Dan聽完沉思了起來,後說:"The journey...." Socrates 停住腳步回頭看他。
Dan繼續說了未完的句子:"The journey is what brings us happiness, not the destination."

The journey is what brings us happiness, not the destination.

當Dan說完了那句話後，我覺得自己好像也遇見了生命裏的蘇格拉底。很多時候不是既存或是突來的"境"改變我們，而是心裏因境產生的"象"。同一個遭遇，以不同的心態面對，就會有不同的後續發展。這句話讓我反省，是不是過去為自己設定了很多人生的"destination"，只在乎到達目的地的時間，而忘了享受旅程本身? 又或者，是否常會因為目的地不明，而失去了探索的勇氣?

剛剛看完周杰倫首部自編自導自演的電影《不能說的秘密》，還蠻驚喜這樣一部片是出自於一個非電影科班出身的導演。當然，電影裡有很多橋段和手法很似層相識，有《海上鋼琴師》或是其他相關穿越時空電影的影子，但是，這都不會影響我對於28歲的周杰倫可以導出這樣片子的肯定。真的還蠻厲害的!

整部片的鋪陳很自然，除了鬥琴和最後拆琴房那兩部分，因為跟《海上鋼琴師》過像，很干擾我外，其他的部分，都還蠻舒服的。中末段劇情與風格上的變奏，是很讓人驚喜的部分。但是，如果只是依照著前半部片的風格和節奏，自然地發展成一部淡淡的、有著青春與鋼琴的戀愛紀事片，也沒什麼不好。選角很好、對白自然，不管是小倫和小雨、小倫和父親，或是小倫和賣菜婆婆之間那種很自然的互動，其實就可以撐起一部片了。小倫買菜、煮飯、和父親跳舞，單親父子之間的親情表現，是我很喜歡的一個部分，黃秋生很出色，彈吉他逗孩子開心那一幕很有趣。淡水是我曾經住了五年的地方，電影裡的淡江中學、淡水河邊、觀音山和日落的取景，也是我喜歡的部分。

前面說過，電影中末段劇情與風格上的變奏，是我覺得意外驚喜的部分。以前看《愛情決勝點》(Match Point)或是《蘭花賊》(Adaptation)這些電影時，就覺得這樣玩弄電影的類型轉折是需要一點聰明和才氣的。雖然《不能說的秘密》還沒像《愛情決勝點》或是《蘭花賊》那樣轉得精練出奇，但可以從青春文藝，轉成驚悚魔幻、懸疑緊張的類型片，已經是超乎意料了。也許周杰倫是想把他的首部片當成是一首電影練習曲。一部片裡就可以過足操作多種類型元素的癮，是聰明的策略。如果把這些類型分別切開來看，每種類型，周杰倫都有玩到位，作業成績不俗。

「色。戒」(Lust, Caution)將於明天9/28在紐約上映，GOOGLE的結果，只有一家上映(?)。轉貼去年寫的關於「斷背山」的舊文。暖暖身。

舊文寫於2006/1/8

終於看了這部片，也見識到這部片賣座的情形。原本要看的場次sold out，硬是多等了1個多鐘頭。

為什麼要看這部片? 原因就是導演李安自己說的：「外國人能請一位中國人來把他們的故事搬上銀幕，而且還能感動外國人，真的很不容易的。」

Brokeback Mountain(斷背山)，是改編美國普立茲得獎作家E. Annie Proulx的同名短篇小說。描述在1960年代，兩名懷俄明州牛仔相愛的故事。

這是一部愛情電影。若只是歸類於男同志電影，的確太窄化了這部片的格局。公式和所有偉大的愛情故事一樣，來自社會、家庭、與自己本身的反對壓力，不斷地驗證愛情。因為無法跨越，所以成了永恆。

沒看過原著，所以不太清楚，這部片對於"同志"這項題材的討論是否有些避重就輕。 但是，看完電影後，不得不佩服李安，他的確是個深諳"情"字的好手。李安在的Brokeback Mountain裡的這把情網，灑的密且廣。單是愛情(這樣的簡稱好像有點太過膚淺。愛情很難定義，通常除了愛還夾帶了許多難以言明的其他)，就有許多不同的層次與面向的呈現。男人與男人、男人與妻、男人與女兒、男人與情人。雖然是以男人為主角的戲，李安還是沒忘記，圍繞在男人身旁的女人們。她們看男人的眼神與淚光，李安都很細膩的照顧到了。所以，幾乎每個出現在這部戲裡的人物，好像在李安心裡都存在著一個故事。觀眾也許看得懂、也許看不懂。像是解謎般，你會隱約知道有些答案存在那裡，有興趣與時間，你可以慢慢推敲。這也是之所以李安的電影會有餘味的地方。年輕的時候不懂，年長後就會懂了。

覺得李安也是藏刀的好手。雖說，李安的電影並不特別取巧於運鏡或炫麗的拍攝手法。片中幾個重要交代劇情發展的場景拍攝，卻都很有力道，很欇人心魄。例如關鍵床戲與情事被外人窺視而洩漏的幾場戲，就拍得十分狠快、犀利。而藏刀的功力，一幕斷背山下初次分手的戲，很讓人印象深刻：兩個男人很冷靜地道別。其中一個男人開車緩緩離去，車鏡中映著另一男人在車後獨步的身影。獨步的男人，正常地走著走著，忽然踉蹌起來，痛苦地掩著腹部縮進暗巷，像是腹痛般地作嘔並且低咽了起來。這場戲藉由主角生理上強烈不適的反應(反胃?其實我以為是中槍)來揭示心理上過分悲傷的劇痛。很含蓄，不弄刀影，卻見血絲無形中滲透了出來。

這部片，在人物的刻劃與情感的表現上，實在是細膩到讓我覺得有一點over的地步。想要好好分析李安的電影語言與符號影射，可能要多看幾遍才行。不管怎說，這實在是一部最近不容錯過的電影!

今夏Pixar和Disney合作的動畫鉅片 "Ratatouille"上演了。 內容描述在美食之都-巴黎，一隻喜愛美食、有廚藝天份的老鼠的故事。

沒錯，是一隻老鼠的故事。

我真的很不喜歡老鼠，在紐約有太多不好的經驗。不曉得教導小孩去喜歡老鼠，是不是一件很明智的事。不過另一方面來說，食物和廚師卻也是我最喜歡的電影題材之一。公司同事也去看了，我們都覺得現在的動畫技術進步的不得了，他一直注意老鼠身上的毛很逼真，可是我卻跟他說電影裡的某一片麵包畫得才細膩咧，看了我都想咬一口。哈哈..真是愛吃鬼，沒辦法。

Pixar真是一個創造夢想的王國，能靠販賣夢想來滿足大眾的需求並能糊口的人，真的很幸福。

有人說這是一部"聰明"的片子，這引起我很大的興趣。印象中，只用"聰明"形容過兩個和電影相關的人，一個是Adaption 的編劇，另一個就是導過Dogville 的Lars von Trier. 那看完之後，會不會用"聰明"來替這部片下註解?我想我的態度還是保留的。

7/31/2005

看完了傳說中BMW的這八部短片。分成1、2兩季。除了車子不同(第二季的BMW Z4，很帥!)，兩季主角是同一人Clive Owen。

吳宇森的Hostage和王家衛的The Follow不錯，李安的Chosen讓我有點小失望。此外，Guy Ritchie 的Star，有Madonna的演出，最有娛樂笑果。

所有的短片都可在BMWfilms.com網站上看到。

p.s
Please note that The Hire Films series is no longer available for download or purchase. (BMWfilms.com, 2007.06.23)

7/27/2005《★★★★推薦》

自從上次看了 The Return 後，發荒了好一陣子，因為一直沒看到會讓人心振、眼睛發亮的好片。今天終於遇上了，心情特好!既然掛了招牌推薦，也就不多說了。

>>Official Site

引用他站簡介:

被綁架的小孩與綁架犯的兒子
兩個十歲小男孩的友誼
在恐懼中凝聚成最美好的生命經驗

有費里尼的頂級影像，
有希區考克的步步驚魂，
有天堂孩子裡的真性情，

這是義大利電影殿堂的經典之作

The Return ，這部片應該是幾個月前看的吧!看完的當下，是給4顆星。多的半顆星，是因為在這幾個月內，不斷的想起這部片的影像畫面。這是俄國導演Andrei Zvyagintsev 的首部作品，得了不少獎，倫敦《衛報》稱這部片子是「自塔科夫斯基(Andrei Tarkovsky)以來最好的俄國電影」。這使得Andrei Zvyagintsev成了俄國目前頗令人期待的一位新興導演。

電影的故事是從一位離家十二年的父親，某日回來了開始。在一頓飯之後，這位父親因為某種緣故帶著他的一對兒子去了荒島。在旅途中，父子不斷地發生一些情感上的矛盾與衝突.....

我很喜歡這個導演冷靜又帶有寓意的敘事方式。有人說這是一部描述父子之間微妙關係的現代寓言。我覺得說的很好。導演在父子關係的處理上很細緻，尤其是對於小兒子這個角色個性轉變上的刻劃，最為明顯。此外，導演影像風格很強烈、純粹、乾淨，整部片走藍色冷調系。我印象很深刻是有一幕在海上父親要孩子划船，鏡頭帶向這一對兒子的特寫，兩人望向前方，作為觀眾，知道他們望的是他們的父親。這個鏡頭在電影後面又出現一次，在回程的時候，他們望的還是他們的父親。"這個父親已不是原來的那個"，不曉得這是不是導演要表達的，總之印象很深。

7/17/2005

會想看小津安二郎的電影，是因為導演Wim Wenders的關係。在一次訪問中，Wenders稱小津為自己唯一的電影「大師」（the only master)。Wenders為了向這位大師致敬，親訪東京，拍攝了「尋找小津」(1985)。因此很好奇，這位導演心目中的東方大師所拍出來的片子會是什麼樣。

「東京物語」被公認為是小津的最高傑作，也被列為是歷史上十部最優秀的電影之一。故事描述一對年邁的父母前往東京探視已成家的兒女，不料兒女們的態度冷淡，反而是守寡的二媳婦，真正盡了事親之誼。藉由平淡的對白和不太移動的鏡頭，小津算是用很簡潔地方式敘述了那種世代疏離與老年人晚境的孤獨滄涼感。

有評論人這樣說，「人生就是離家、結婚、退休、死亡的動線，幾乎是小津千篇一律的主題。」因為小孩離家、成家，而造成原有家庭崩解的情形，50年後的今天來看，似乎也沒多大的改變。

從觀影角度來看，這實在不是一部容易看得下去的片子，尤其是看慣當代電影的五光十色，可能會不耐於這樣的拍攝手法。劇中出現最多的場景，就是客廳，兒女各家和老家的客廳。對白聊的也是再平常不過的寒喧之語。其實會有一點像是看電視劇的感覺。我本來以為是因為老片的關係，所以不時興運鏡。後來才知，「靜觀」是小津表現寫實的一種影像風格。這讓我想起張作驥的電影「美麗時光」，場景是台北與河的邊境，平常覺得不起眼的市景，因為鏡頭多停留20秒，原本雜亂的景色竟也會淡淡飄出韻味，第一次透過影像體會靜觀之美。小津的靜觀感覺上又超越了影像，更深層的表達了一種靜觀與洞悉人生的態度。這樣境界的美，我不敢說現在就能體會。也是在表現寫實，以Lars von Trier為首的Dogma 95，運用手提攝影機拍攝，鏡頭晃到讓人頭暈，恰恰與這樣定格靜觀的手法背道而馳。何謂真實?如何寫實?是個有趣觀點討論。

文章閱讀:http://www.csghs.tp.edu.tw/~chic/page_7/92036.htm

7/5/2005

另一部與廚師、小孩相關的電影。德國片。除了美食，還有動聽的音樂。音樂製作人是ECM 老版Manfred Eicher，想當然音樂風格很ECM。可惜，沒有出版原聲帶。但是，如果夠有錢，依然可以收集以下CD，從中蒐尋、保存。
.
>> [ Looking for the soundtrack to Mostly Martha? ]
.
Most impressive one is " Country" in Keith Jarrett's album -My Song.
.

MY SONG / Keith Jarrett
>> Amazon 試聽 :: [ Country ]

6/30/2005

雖然說在放假中，但是電影也沒多看，哈哈...另一種偷懶。要找到一部適合我放假看的電影，其實很難，要有娛樂性但不能沒有寓意，要搞笑但不能落俗套。依照這個原則，很開心看了Spanglish這部片子。

故事內容是講一個只會說西班牙文的單親媽媽到美國家庭幫傭的故事。語言的隔閡是故事的明線，但是暗線其實是在講真正妨礙人與人之間的溝通不是語言本身，而是藏在語言後面的價值觀與思考邏輯不同。(對於一個非英文母語在美國生活了兩年的我而言，心有戚戚焉。)

電影最讓人愉悅的地方就是演員們。

先說說 Adam Sandler，他在劇裡是演一個對生活(家庭和工作)百般無奈的男主人，在家庭上，他要忍受他妻子的叨念與歇斯底里，在工作上，想要展現廚藝卻逃不掉每次被扣上四顆星主廚的命運。Adam Sandler對於這樣的角色應該是很得心應手了，在他前作 Punch-Drunk Love裡，角色很類似。Adam Sandler那種無辜無奈讓人同情又讓人想笑的樣子，堪稱一絕。這樣的喜感讓我想起Tom Hanks在Terminal或是Cast Away裡的演出! Adam Sandler在戲中其實沒什麼特別的臉部表情，所以幾場喃喃自語或是大聲在車子裡咆哮的演出顯得格外重要。

對應於Adam Sandler，Téa Leoni所飾演 的Mrs.Clasky就是屬於比較誇張的演法，很著重臉部表情和肢體動作。我一直覺得Téa Leoni很面熟，卻一直想不起來她演過的電影。不過現在我可把她記住了。這樣不惜犧牲形象的演出讓我想起小S，哈哈。可能是Téa Leoni沒演過這樣的戲，很多地方其實有些生硬，看來假假的，不過看在她賣力的成分上，還是值得嘉獎。

Adam Sandler和Téa Leoni角色在演技上其實有比較多發揮的地方，一個收斂一個外放，都不好演。比較起來，Paz Vega 這個單親媽媽角色就比較平，沒太多的層次，但是要把花瓶演好也很難。Paz Vega 從頭到尾就讓我覺得怎麼西班牙女生都這麼有風韻，Paz Vega 的輪廓很像我同學Barbara，她在劇中說西班牙文時，我一直覺得是Barbara在說話。

劇中有兩位女童星，Shelbie Bruce次飾演Flor的女兒Christina，如同美麗的媽媽，這個小女孩也是可愛到不行。一場現場口譯的戲，算是經典。Sarah Steeln飾演Clasky的女兒Bernice，這個角色有點早熟，算難演，在說，真有這麼善良又超齡懂事的小孩嗎?有的話真想有一個。

很久沒看DVD了，最近生活的步調很緊，腦袋其實裝不下太多其他有的沒的需要認真思考的東西。「49 UP」是我最近唯一一部看的片子，也還沒完全看完..orz!

這是一部「on-going」的紀錄片，整個系列還沒結束。1964年，為了實踐一句耶穌的箴言-「Give me a child until he is seven and I will give you the man」，導演Paul Almond和他年輕的製作小組開始了這個UP系列的拍攝。第一部是「7 UP」，主角是14位從英國不同社會階層背景選出來的7歲小朋友，片中探訪他們對於自己未來人生的想像和看法。爾後，這個系列由導演Michael Apted接手，持續追蹤這14位主角，每七年拍攝一次。所以自「7 UP」後，還有「14 UP」、「21 UP」、「28 UP」、「35 UP」、「42 UP」等片。而本片「49 UP」，於2005年9月公開上映，是本系列最新的一部。

這個UP系列起源於英國Granada 電視台的一個名為「World in Action」電視節目。當時的電視文化還沒有所謂實境秀這樣的概念。「7 UP」拍攝的當時，也沒有想要持續追蹤的計畫。Michael Apted後來接手，他曾經是研究小組的一員，也參與主角挑選的過程。當他開始拍攝「14 UP」時，也還只是個二十多歲的小伙子。

這樣的紀錄片對於社會，是有很高的文化價值。藉由選出的樣本，期待能拼湊出當下世代各樣的人生模式。但一方面，這樣的拍攝也是慘忍的，尤其對這些被拍攝的主角來說。「49 UP」裡的某一位主角就開始質疑這樣的拍攝行為，並表明不想再繼續。是啊！每個人生都是獨立而特別，如何能類化呢﹖從觀影者角度，看了片子卻有很多感觸和省思。我的35、42、49又會是怎樣呢﹖現實會磨掉想像，還是會出現什麼難預料的際遇﹖

又想起陳昇的歌了：

Voyage, Voyage！生命的旅程，沒有來的，都是去的。而生命的旅程，真的是有趣啊！

最近看了伍迪艾倫(Woody Allen)的兩部近作，"Mach Point"和"Scoop"。不得不稱讚伍老，年高70，還是鬼才一個。對於伍迪艾倫的印象，其實原本還停留在" Annie Hall"(1977)和"Manhattan"(1979)的階段。總覺得伍式風格，不外是雅痞，神經質加上喋喋不休。潛意識中，我是很排斥這樣的電影。但看過他的新片後，整個改觀，只能說以前是自己認識不深，論斷太早。30年以前的伍迪艾倫和30年後現在的伍迪艾倫有什麼不同?雖然伍迪艾倫在訪談過程中說自己沒有因為歲月而增長內涵，智慧或是變得更成熟，同樣的錯還是會一犯再犯。但從觀影角度，在"Mach Point" 和"Scoop"中，可以強烈地感受到導演的智慧，與唯有經過歲月才會成就的內斂。伍迪艾倫謙虛了，也是一個證明吧!


Match Point (2005) /愛情決勝點


如果只能用簡短的字句來評論這部電影，鑽進腦袋的是"破格"兩字。年輕的導演，首重在建立個人獨特的風格。中年的導演，功力在於保持自己的風格於不墜。有幸長命又建朗的導演，晚年若還能執導，要思索的恐怕是如何轉變，突破並超越自己以往所建立的風格。後者成功的並不多見。其實並不只是電影如此，很多和藝術創作相關的領域也是如此，例如繪畫，例如建築。破格需要勇氣，不小心就會賠上一世英名。遇上這樣已經享有大師清譽還努力求突破，不斷超越自我界限的人，除了敬佩還是敬佩。

在Match Point這部片裡，場景拉到了英國倫敦，不再是伍迷們熟悉的紐約，伍迪艾倫也隱身幕後，不再跳出來碎碎念，這都和我原以為的伍式風格不同。故事一開始結構工整，平舖直敘的手法，緩緩道來，頗有拍攝文學電影的味道。中後段劇情忽然急轉，讓人驚呼，跳脫了電影原本的類型框限，格局破得漂亮 (也可說是觀眾被導演擺了一道，前面故事的鋪陳，只是為了引觀眾落入陷阱，營造後面劇情的高潮)。劇本極佳，是致勝關鍵。伍迪艾倫果然是個編劇好手。故事在此不贅述，說了就不好玩了。


Scoop (2006) /塔羅牌殺人事件

相較於《Mach Point/愛情決勝點》，《Scoop/塔羅牌殺人事件》這部電影看起來就輕鬆多了。一樣是劇本取勝。這回伍迪艾倫又重回螢幕，展現了熟悉的伍式魅力，一樣還是個愛碎碎唸的老頭。

史嘉莉嬌韓森(Scarlett Johannson)，這個甜姐兒，繼"Match Point"後，二度與伍迪艾倫合作，前後兩個個性迥異的角色演出，實在很難不讓人注意到她的美麗與演技。

《Schoop/塔羅牌殺人事件》，是個融合奇幻與推理的幽默故事小品。場景還是在倫敦。內容描述一個美國新聞系學生來到倫敦，無意間認識了秀場魔術師(伍迪艾倫飾)，並憑空得到了連續殺人犯兇手的線索，而一路追蹤推理的故事。劇情無冷場，結局幽默。

這部片實在是太生猛了！好多個鏡頭都爆笑到讓人慘不忍睹！片長雖只有1個半鐘頭，但是會讓你覺得，真的是夠了！大喇喇地嘲諷猶太人、教會、大美國主義的方式，讓人叫絕!


中譯片名《芭樂特:哈薩克青年必修(理)美國文化》。以下劇情簡介摘自開眼電影 :

HBO熱門影集《Da Ali G Show》男主角Sacha Baron Cohen顛覆好萊塢演出，飾演一名哈薩克青年芭樂特，在家鄉親朋好友的祝福下，帶著攝影團隊遠到美國進行一趟文化修業之旅。

他拜訪不同的人，參加各式活動，同時將過程全都錄為紀錄片，只是這些接受芭樂特訪問的人，可是貨真價實的「一般人」，他們不曉得芭樂特並非實際人物(事實上是由Sacha變裝扮演)，當這群無辜的百姓面對芭樂特種種既無知又瞎得離譜的言行舉止，他們如何反應?芭樂特將在大銀幕呈現最真實爆笑的實境秀！

Steve Kady ，一位戶口普查員，奉命驅車前往位在偏僻山裡名為Rockwell Falls的小鎮，進行人口調查。意外發現，這個遠離文明塵囂的小鎮，人口數百年來一直維持在詭異的436人...

Population 436，這部電影，可以單純的視其為一部驚悚懸疑片，因為它擁有這種類型片最基本該有的元素。然而，它也可被解讀成是一部描寫人類社會心理與醒思人力微渺無法抗天的現代寓言。 (以下涉及劇情!)

生與死的平衡

電影的開頭，有兩幕場景重疊交錯，一幕是一位婦人在產房生產，另一幕是一輛車子衝撞出道路，車禍。這個開場，用一種類史詩的方式，交代了一個生與死在時間點上的平衡。簡潔有力的破題，我很喜歡。電影裡，用來控制人口數的理由與方式，可能讓人覺得很荒誕不可思議。但想想我們現存的這個世界，這不是所謂文明的人類，一直都在作的事嗎?人口爆炸，喊出一胎化。人口負成長，鼓勵生育的稅制不說，甚至還說出人類其實也只是一部繁衍後代的機器這樣的話。也許文明的社會，奠基的第一件事就是要控制人口成長率。在電影中，小鎮曾經繁榮富庶，當時的人口數是436。後來，來了第437人，毀了全鎮。因此，重新建造小鎮的人，相信436是維持一個烏托邦的理想人口數。真實的我們的這個世界，其實也相信，過多或過少的人口增長，都會讓文明的社會失序、毀敗。只是我們無法精算出那個數字，無法在人口數到達那個數字後，實踐維持人口零成長的烏托邦思想。因為我們做不到，無法去想像，所以，無法理解這部電影最駭人的地方，死亡是歡愉的。

體制與逃離

對於無法融入體制的人，電影告訴我們，這些人都必須接受體制所實施的"治療"(cure)。所謂的治療，是一種矯正行為，是一種讓異常回歸於正常的過程。無法接受體制，又抗拒治療的人，只能選擇逃離。電影的前半，慢慢引出這個小鎮百年來的習俗與體制；電影的後半，則對於逃離，著墨很多，幾乎要讓你以為，逃離是僅有的一線希望。但是，電影最後又很殘酷地告訴你，逃離只有死路一條。在現世中，對於體制的不滿，逃離也是人性，但是逃避終究不能解決問題，不會有希望的。真正的希望在哪裡呢?電影沒有明白地說。但是有殘留一絲線索。希望，也許是在那些偽裝融入體制的人身上。忘了哪位智者說過類似的話，「真正的改革，不是豎起大旗，公然地與整個體制為敵，而是進入體制內去善化、漸變它。」

人力與天意

電影的結局很悲觀，卻很真實。人有喜好征服的天性，但終會發現，人無法勝天。這是宗教與集體信仰發生的起點。電影中有濃厚的宗教味，小鎮的人們，總是反覆吟誦以下的聖歌：

"Solidarity and steadfastness. We are the union of the Divine, and we shall cherish equilibrium and peace. "

美國電影，常常觸及神與信仰這樣的議題，也許是和美國遼闊的自然文化有關。對於大自然神秘不可測的力量，有著敬畏的心。以全球環境角度來看，長期以來人口的激增、人為的野心，已對地球產生能源耗竭、莫大的破壞。近年來，大自然也逐漸在反撲。電影中那個第437人會帶來禍害的信仰，也可作為現世中的警戒，再不抑制人類文明的膨漲，必將招受更大的禍害。

Seabiscuit，是我最近看的一部片子，和賽馬有關。片子本身還好，但是劇中這匹名為Seabiscuit的馬，可是傳奇的不得了。電影是改編自Hillenbrand, Laura 的暢銷小說" Seabiscuit: An American Legend"。據說，小說對於人物與故事刻畫得比電影動容好看。

故事是描寫美國1929年經濟大恐慌之後，三位失意人(馬主，訓練師，騎師)和一匹原本不被看好的馬所創造出來的傳奇。在當時鼓舞了不少美國人民的士氣。詳細電影內容就不在此贅述。

我比較有興趣的是Seabiscuit 的幕後故事。一匹馬究竟有什麼樣的魔力可以撫慰人心呢?

Seabiscuit(May 23, 1933—May 17, 1947)，其實是一匹名種馬。他的爸爸和爺爺，在賽馬場上都是了不起的冠軍馬。但是Seabiscuit生來卻其貌不揚，瘦小不說，腿還粗短，請看圖片。怎麼看都不像是名駒之後。唯一傳承到的是和他父爺輩一樣的爆裂脾氣。此外，Seabiscuit很好吃，卻不怎麼上進，當其他馬匹都站著睡覺時，Seabiscuit卻是區著腿睡，常常一付懶散模樣。因此，在馴馬師的眼裡，Seabiscuit只能是work horse的料。所以Seabiscuit常被訓練來陪賽，在非正式比賽中必須刻意跑輸，以增加其他賽馬的自信。所以，年輕時的Seabiscuit還蠻可憐的，常常被鞭打。三歲以前，Seabiscuit就參加過不少比賽，比其他同齡的馬匹都多出很多，顯見過度被使用。直到遇見馴馬師Tom Smith 這位伯樂和Red Pollard這個騎師，Seabiscuit的賽馬生涯才有了轉變。而Seabiscuit的主人Charles S. Howard.是Smith和Pollard兩人的伯樂.就是因為聽從Smith的建議，買下了當時只值2000美金的Seabiscuit，而後創下了一頁美國賽馬史。

Seabiscuit令人感動並爲之瘋狂的地方是他的好勝心和鬥志。我不懂賽馬，但聽說在賽場上過彎道時，可能是承載力的關係，一般的馬總會減速，但是Seabiscuit是不減速的，這也是為什麼Seabiscuit總是能贏的地方。在與War Admiral,的那場世紀對決，Pollard這樣告訴替代他上場的騎師George Woolf: "一路上，你不能讓Seabiscuit超前太多，要讓Seabiscuit意識到旁邊一直有另一匹馬存在。在最後一輪時，你要讓Seabiscuit並肩和War Admiral共跑一段時間，讓Seabiscuit對上War Admiral的眼，放鬆Seabiscuit，然後Seabiscuit會告訴你，他要贏。"

Seabiscuit的晚年過得不錯，Howard 很善待他，讓Seabiscuit過自己喜歡的生活，每天吃吃喝喝，玩累了就睡，聽說後來變成一匹胖馬。Seabiscuit並沒留下子祠，也沒人知道Howard後來把Seabiscuit葬在哪。Seabiscuit，就這樣成了一個傳奇。

混亂的世界裡，難得一見的清新。

"Me and You and Everyone We Know"是導演 Miranda July 首部劇情長片，自編自導自演。Miranda July，1974年生於美國佛蒙特州(Vermont)，而後居住於加州，多才多藝，除了拍電影、寫劇本，還是個從事多媒體創作多年的藝術家(作品曾於紐約Guggenheim、MOMA參展 )，也作過音樂唱片。她是美國獨立製片電影界，繼Todd Solondz之後令人期待的新星。


"Me and You and Everyone We Know"的故事主題與結構很簡單，但在影像、對白的詮釋過程中，呈現了現在一般電影裡少有的靈氣與慧詰。這部片無厘頭式幽默的部分很有Todd Solondz的感覺，但整體風格上還是有些許不同，Todd Solondz的片子可能藏有一點酸苦，但Miranda July這部片卻帶有微甜的味道。